Căutăm op art în haine. Stilul op art în îmbrăcăminte Cum se creează iluziile optice
Anii șaizeci au devenit deceniul subculturii tineretului, al modei și minimalismului excentric „hârtiei” și „plasticului”. Adolescenții europeni și americani au protestat împotriva politicilor țărilor lor, demonstrând o atitudine negativă față de societatea de consum cu ajutorul hainelor second-hand. Ignorarea modelelor de designer de către tineri nu a împiedicat debutul de mare profil al lui Yves Saint Laurent și Valentino Garavani, care a avut loc și în „nebunii ani șaizeci”. „Dacă îți amintești de anii ’60, atunci nu erai în viață”, a spus producătorul The Doors, Dick Wolf.
„Cu cât mai nebun, cu atât mai bine!”
Poate cea mai extravagantă tendință de modă a anilor 1960 a fost stilul spațial. În 1961, iar acest lucru a influențat nu numai dezvoltarea științei, ci și a modei. Designerii s-au inspirat din noi perspective și au început să creeze modele bizare, „străine”. Pionierul „modei spațiale” a fost designerul Andre Courrèges, ai cărui fani purtau cizme de lună și ochelari de soare în formă de mingi de tenis. Courrèges a creat rochii scurte, asemănătoare copiilor, decorându-le cu paiete strălucitoare și accesorii neobișnuite.
Pentru astfel de modele, materialele artificiale, mai degrabă decât cele naturale, s-au dovedit a fi mai potrivite - sintetice, plastic, vinil. Creatorii de modă au decorat rochii discuri de vinilși erau folosite și pentru a fixa elementele costumului de baie. Metalul a fost folosit și ca material. Desigur, salopetele strălucitoare, căștile cu forme bizare și scuturile pentru ochi nu au prins rădăcini pe străzi, dar podiumurile de la acea vreme erau pline de modele „spațiale” neobișnuite la care au lucrat pentru a le crea. creatori de modă celebriȘi .
Moda fibrelor sintetice a crescut treptat într-o tendință de a crea haine din materiale care au fost folosite anterior în scopuri complet diferite. Designerii au experimentat cu materiale realizate pentru costume spațiale, îmbrăcăminte sportŞi uniformă militară. Modelele au pășit pe podium în haine din vinil și dacron, care, în comparație cu moda conservatoare pariziană din deceniile precedente, arăta super original și chiar revoluționar. Excentricitatea ținutelor propuse de designeri a fost considerată un plus - pentru mulți, anii 1960 au trecut sub motto-ul: „Cu cât mai nebun, cu atât mai bine!” Odată cu tendințele „plastic” și „vinil”, a avut loc și un „boom hârtie” în lumea modei în această perioadă.
În 1966, în SUA, fabrica lui Scott a început să producă îmbrăcăminte pe lângă articolele de uz casnic din hârtie. Modelele de hârtie au venit în două culori - alb-negru și galben-negru-roșu. Colecția s-a numit „Explosion of Color” și s-a recomandat să o schimbi cu foarfecele și să o reparăm folosind o coală de hârtie. O rochie similară putea fi purtată de până la cinci ori, iar modelele de modă „de hârtie” erau vândute în magazine speciale. Producătorii au prezentat noile costume ca întruchiparea unei idei inovatoare strălucitoare și a unei opere de artă arta contemporana.
După ce au prins noua tendință în producția de masă, designerii au început să creeze modele de hârtie. Jurnaliştii şi publicul i-au numit pe Eliza Dabbs şi Harry Gordon, care produceau rochii pentru trei dolari bucata, „couturieri de hârtie”. Cu toate acestea, nu toți designerii au fost atât de democratici - adesea prețurile pentru modelele din hârtie puteau fi comparate cu ținutele couture. În New York, pe Madison Avenue, s-a deschis boutique-ul Paraphenalia, care vinde plastic super la modă și haine de hârtie. „Oricine tratează hainele cu patos este dezgustător, la urma urmei, acestea sunt doar haine. Ar trebui să fie amuzante, nu pot fi luate în serios”, unul dintre fondatorii Paraphenalia, Paul Young, care a fost co-fondator al magazinului de cult. , a exprimat sentimentele în rândul tinerilor.
Artă în modă
Pe fundalul popularității picturilor „Green Coca-Cola Bottles” și „Campbell Soup Cans”, Warhol a început să-și transfere celebrele desene pe țesătură, creând haine din propriile sale schițe, a lansat „Sticlă”, „Fragilitate”. rochii și cămașa „Soup”, care a devenit populară „Campbell”. Desenele în stilul pop art au fost, de asemenea, folosite de alți designeri în modelele lor, făcând transferul repetat al obiectelor familiare pe țesătură una dintre cele mai izbitoare tendințe de modă ale anilor 1960.
Dacă influența cinematografiei asupra modei s-a simțit în deceniile precedente, atunci pictura a pătruns în industria modei tocmai în anii șaizeci. O altă tendință care s-a reflectat pe scară largă în îmbrăcămintea de masă a fost stilul op art. Picturile realizate în acest stil s-au bazat pe efecte de lumină și contrastul de negru și flori albe. Tendința de a exprima sentimentele umane folosind efecte optice a început în anii 1950 și s-a răspândit la mijlocul anilor 1960. Pânzele contrastante alb-negru i-au făcut adesea amețiți pe spectatori, iar designerii de modă au fost atrași de stilul op art prin simplitatea și noutatea sa grafică. De obicei, astfel de modele de îmbrăcăminte erau de croială simplă, care, totuși, a fost mai mult decât compensată de formele geometrice distorsionate, cercuri stilizate și spirale și dungi monocrome descrise pe țesătură. " Un nou val designul pe țesătură se numește op art. Designul se bazează pe arhitectură și pictură modernă. Nu a mai rămas nicio urmă de romantism”, a scris revista Neue Mode în 1966.
Moda nouă, oarecum excentrică, a fost extrem de populară în rândul adolescenților. Printre creatorii de modă care s-au inspirat de noile tendințe în pictură s-au numărat Larry Aldrich, Andre Courrèges,. Acesta din urmă, în 1965, a prezentat publicului o colecție bazată pe opera unuia dintre fondatorii picturii abstracte, Piet Mondrian. Creatorii de modă au oferit o mare varietate de accesorii nebunești și contraste de culoare, dar juxtapunerea alb-negru a devenit adevăratul hit al deceniului. Începând cu anii 1960, designerii s-au inspirat constant din alte forme de artă, confirmând astfel că frumusețea nu este o categorie constantă, ci una variabilă.
„Radical chic” și stilul subculturilor
Alături de capitalele mondiale ale modei Paris și Milano, Londra a început să-și dicteze stilul în anii 1960. Publicațiile de vârf au numit capitala Angliei un nou centru de stil și modă, iar designerii britanici, sfidând Parisul conservator, au oferit modele extravagante care au devenit un adevărat simbol al deceniului.
După încheierea celui de-al Doilea Război Mondial și depășirea crizei, situația financiară din țările europene a început să se îmbunătățească. Tinerii au dedicat mai mult timp muzicii, cinematografiei și altor divertisment. Așa a pătruns moda americană pentru blugi și jachete de piele în stilul londonez, iar emigranții din fostele colonii britanice au adus stilul Indiei de Vest în capitala Angliei. Noua direcție, formată sub influența unei varietăți de tendințe și culturi, a vizat în primul rând adolescenții. Pe străzile Londrei la acea vreme se puteau întâlni atât tineri în ținute etnice, cât și „rebeli” în tricouri și blugi decolorați. În 1966, Time Magazine a publicat un articol intitulat „Londra – Swing City”. La sfârșitul deceniului au fost lansate filme care reflectau spiritul revoluționar al acelei perioade: Blow-Up de Michelangelo Antonioni și The Spectacle de Nicolas Roeg. În același timp, au apărut magazine pe strada Carnaby, care a devenit locul emblematic al „swinging London” cu amănuntul. În anii 1960, buticuri ofereau tinerilor modele revoluționare, iar strada a devenit faimoasă în întreaga lume ca centru al modei independente.
Sentimentele rebele din anii '50 au trecut în anii '60. În această perioadă, chiar și adolescenții din familii înstărite s-au îmbrăcat în magazine second-hand, subliniind exclusivitatea lor și protestează împotriva societății de consum. În orașele mari, piețele cu haine retro au devenit populare adolescenților nu le era frică să combine lucruri de modă veche; diferite epoci fără să-i pese de modă. În timp ce tinerii înstăriți și-au demonstrat subcultura purtând în mod deliberat haine vechi, pentru adolescenții din familii sărace această tendință a devenit o oportunitate de a se conforma tendințelor și de a nu cheltui bani. Spiritul rebel, însă, a fost ridiculizat de mulți jurnaliști, care au numit sărăcia stilizată o batjocură a sărăciei reale. Scriitorul american Tom Wolfe a vorbit despre tineri ca fiind copii capricioși care se joacă la revoluție și a numit stilul vestimentar în sine „radical șic”. Creatorii de modă, încercând să mulțumească gusturile în schimbare, au început să creeze modele în stilul anilor 30 și 40, totuși haine de designer„retro” nu a fost foarte popular - contracultura a ignorat moda.
Respingerea stilului de doamnă și toate tendințele populare în deceniile anterioare au dus la cea mai vibrantă și masivă mișcare din a doua jumătate a anilor șaizeci - hipioții. „Copii de flori” care promovau dragostea și pacea și care nu erau de acord cu politicile statelor lor îmbrăcați în haine exotice aduse din alte țări: poncho sud-americane, tunici indiene și coifuri eschimoși. Ținutele luminoase și bogat brodate ale hipioților au fost completate cu bijuterii masive - în principal brățări și curele indiene. Filosofia hippie a devenit atât de populară încât mulți designeri de modă au remarcat declinul funcționalismului. „În contrast cu stilul romantic și stilul art nouveau, folclor și stiluri sportiveîmpreună cu hainele colorate mexicane se bucură astăzi de un succes extraordinar”, a scris revista Neue Mode Motive indiene neobișnuite, strălucitoare și atractive au capturat toată Europa și America în anii 1960, iar tinerii purtau acum jachete „Yeti”, fuste colorate, pantaloni evazați. Pantaloni turcești, cămăși brodate și paltoane lungi de blană În ciuda faptului că reprezentanții subculturilor înșiși erau sceptici cu privire la modă, publicațiile lucioase au scris asta stil nou merită o atenție deosebită și este capabilă să aibă un impact serios asupra industriei modei.
La sfârșitul deceniului, îmbrăcămintea psihedelice strălucitoare din materiale artificiale a dispărut în fundal, iar stilul militar a devenit un adevărat succes. Utilizarea obiectelor militare în viata de zi cu zi a fost și un fel de protest care a urmat protestelor care au măturat Europa în 1968: așa au încercat tinerii să dea hainelor destinate bătăliilor un caracter pașnic. Camuflajul cu pete aspre a fost decorat cu simboluri ale păcii, fustele și pantofii în stil militar erau vopsite în roșu și culori roz. Reprezentanții diferitelor subculturi purtau astfel de haine, iar jachetele mari cu simboluri ale forțelor aeriene americane au fost deosebit de populare. În același timp, designerii de modă au început să experimenteze cu verdele măsliniu, numit kaki.
Tendința către minimalism și principalul simbol al deceniului
În anii 1960, îmbrăcămintea confecționată din țesături elastice s-a răspândit. Ideea că a avea multe haine în garderoba era incomod și că femeile se puteau descurca cu ușurință doar cu câteva modele de bază a fost vizitată de designeri de modă încă din anii 1930 și 1940. Claire McCardell în 1934 a propus înlocuirea întregii varietăți de stiluri și modele cu câteva elemente de bază, iar la începutul următorului deceniu a fost prima care a creat tricou - colanți cu mâneci lungi— și a făcut din ea baza imaginii. Lucruri de bază Garderoba creatorului de modă includea un gât negru și colanți. Ideea de a combina mai multe articole simple a devenit cu adevărat populară în anii șaizeci, când femeile erau încurajate să aibă în garderobă doar un top, jachetă, fustă și pantaloni.
Reducerea cantității de îmbrăcăminte la minim în această perioadă a devenit posibilă datorită apariției țesăturilor elastice. În anii 1960, designerul de modă Giorgio di Sant'Angelo a început să caute noi modalități de a crea țesături. A lucrat cu lână și fir acrilic și a inventat și mătasea elastică care se putea întinde în orice direcție. Atât costumele de baie, cât și topurile de seară au fost confecționate din mătase elastică și lycra. Designerul de costume Jacques Fonterey scria în 1968: „Sunt încrezător că tricoutul, sau una dintre soiurile sale, va deveni elementul vestimentar de bază al viitorului”. Fonteray avea dreptate: modelele elastice din anii 1960 au servit drept bază pentru creație. haine moderne- de la treninguri la rochiile de seara.
Anii 1960 au devenit un alt deceniu care a schimbat complet ideile despre standarde frumusețe feminină. Dacă după război designerii de modă s-au concentrat pe mamele de familie și pe femeile cu curbe, atunci în anii șaizeci androginia a revenit la modă, iar celebra a devenit un simbol al noilor standarde de atractivitate. O adolescentă slabă, cu ochii deschiși naiv, a apărut pe coperțile publicațiilor de top, iar fetele din întreaga lume au început să urmeze diete stricte, dorind să fie ca idolul lor. Twiggy a devenit primul model a cărui imagine a întruchipat idealurile deceniului creatorii de modă au creat haine pentru foarte fete slabe cu figuri băieţeşti. ÎN reviste de modă iar pe postere a apărut în fuste mini și rochii Mary Quant și a întruchipat stilul „păpușă” care era extrem de popular în anii ’60. Împreună cu fanii ei, Twiggy a avut și răi - mulți jurnaliști au numit-o o fată dureros de slabă și „foame”, dar acest lucru nu a împiedicat răspândirea modei pentru androginie - în anii șaizeci, bărbații mergeau adesea cu par lung, iar femeile tinere au preferat tunsori scurteși rochii mini, exprimând astfel reticența de a crește.
Debuturi de mare profil din anii 1960
Anii şaizeci au marcat începutul unei cariere strălucite, care s-a declarat cu voce tare la începutul deceniului. În 1957, după moartea lui Christian Dior, Saint Laurent, în vârstă de 21 de ani, a preluat funcția de director de creație al Casei Dior. Cu toate acestea, deja în 1960, tânărul creator de modă și-a creat propriul ultima colectie pentru brand: directorii Dior au decis că tânărul designer nu are dreptul să impună fanilor moda înaltă stil de stradă, și și-a luat rămas bun de la Saint Laurent. Doi ani mai târziu, couturierul și-a lansat prima colecție sub nume propriu, pentru care a creat un blazer la dublu, cu nasturi aurii și pantaloni de mătase. Mai târziu, designerul de modă însuși și mulți alți designeri au folosit acest model.
Yves Saint Laurent a fost unul dintre primii designeri de modă care nu s-a temut să creeze haine revoluționare în stilul op art și pop art și, de asemenea, a oferit un smoking pentru femei și ținute în stilul „Africa” și „Safari”. El a combinat cel mai mult cu îndrăzneală culori luminoase, o rochie roz aprins completată de o jachetă canar, combinând negru cu maro, portocaliu cu roșu și violet cu albastru.
Un alt debut de mare profil al deceniului a fost apariția în lumea modei a „șeicul șicului” italian Valentino Garavani. Educat la Paris, s-a întors în Italia natală la sfârșitul anilor 1950, unde a deschis o casă de modă care a prezentat lumii legendarele sale rochii roșii. Rochiile strălucitoare au devenit cartea de vizită a lui Garavani, iar designerul a distins treizeci de nuanțe de roșu. Debutul internațional de mare profil al lui Valentino a avut loc în 1962, iar în 1968 a fost lansată celebra sa „colecție albă”, constând în întregime din lucruri alb. În același timp, designerul de modă a folosit pentru prima dată sigla „V”. Rochiile feminine de la Valentino au devenit simboluri ale vieții de lux, iar vedetele de la Hollywood l-au inundat pe couturier cu comenzi. În 1968, rochia din dantelă de la Garavani, în care s-a căsătorit cu Aristotel Onassis, a apărut pe paginile aproape tuturor publicațiilor de top.
Op art (sau arta optică) este o mișcare de artă abstractă al cărei obiect principal sunt iluziile optice create pentru a înșela ochiul privitorului. Această mișcare este strâns legată de cinetism, o mișcare în arta modernă care se concentrează pe crearea mișcării sau a iluziei acesteia.
Op art folosește în primul rând forme geometrice aranjate în proiecții matematice precise pentru a crea iluzia de mișcare, adâncime sau oscilație. Primele lucrări în această direcție au fost create folosind o paletă de culori acromatice (alb, negru și gri), ceea ce a făcut posibilă obținerea unui contrast ideal.
Este general acceptat că fondatorul mișcării este artistul cinetic francez Victor Vasarely. Arta op este, de asemenea, asociată cu expresionismul abstract, cubismul și dadaismul.
Context istoric
Timp de multe secole, artiștii au fost interesați de teoria percepției culorii, formei și perspectivei. Pentru a îmbunătăți tehnicile de pictură, maeștrii au început să studieze efectele optice și iluziile. Specificul percepției vizuale a devenit baza impresionismului, iar interesul pentru formele geometrice a marcat începutul cubismului.
Până la mijlocul secolului al XX-lea, toate aceste interese, alimentate de dezvoltarea psihologiei și de progresul tehnologic fără precedent, au dus la o nouă mișcare. Capodoperele artei optice sunt create din forme abstracte în contrast puternic cu fundalul, rezultând efecte care încurcă și stimulează percepția vizuală a privitorilor.
Primele expoziții au atras atenția unui larg public internațional. Mulți vizitatori li s-a părut că op art este o direcție de artă ideală pentru lumea modernă cu noile sale realizări în tehnologie, psihologie, medicină, tehnologii digitale și televiziune.
Istoria artei optice
Termenul „op art” a fost folosit pentru prima dată de artistul și scriitorul Donald Judd într-o recenzie critică a expoziției lui Julian Stanczyk Picturi optice. Noul nume a fost preluat rapid de Times - un articol dedicat aceleiași expoziții a consolidat în cele din urmă arta optică ca direcție separată și i-a acordat un nume sonor.
În ciuda faptului că rădăcinile acestei mișcări pot fi urmărite până la primele teorii ale percepției culorilor, arta opera modernă a apărut sub influența lucrărilor lui Victor Vasarely, care a fost unul dintre primii care a studiat iluziile optice care apar dintr-un anumit aranjarea figurilor pe pânză.
The Responsive Eye - apogeul artei optice
La mijlocul secolului al XX-lea, o serie de expoziții internaționale au atras atenția asupra lucrărilor în stilul op art. Vasarely și ideile sale au interesat nu numai publicul, ci și alți artiști care vedeau în iluziile optice un amestec de artă tradițională și posibilități și interese moderne. În 1965, celebrul Muzeu de Artă Modernă din New York (MoMA) a găzduit o expoziție numită The Responsive Eye. Printre cele 123 de exponate expuse nu s-au numărat doar lucrări ale lui Vasarely, mulți alți reprezentanți ai op art au avut ocazia să arate publicului iluziile lor optice. Printre aceștia s-au numărat artiști precum Bridget Riley, Frank Stella, Carlos Cruz-Diez și Jesus Rafael Soto.
Ideea generală a artei optice
Reprezentanții op art au fost interesați de capacitățile ochiului uman și de percepția vizuală, în acest scop, au creat diverse compoziții care le-au permis să exploreze fenomenele de percepție optică și reacția privitorilor. Efecte precum distorsiunea Raman, strălucirea și imaginile secundare folosesc aranjamente calculate cu precizie de forme, culori, luminozitate și contrast pentru a stimula ochiul uman.
Practic, artiștii op art au folosit o paletă acromatică, invocând faptul că, cu cât contrastul este mai puternic, cu atât iluzia este mai clară. Fără utilizarea contururilor pe pânzele alb-negru, este cel mai dificil să se determine ce culoare este fundalul. Cu toate acestea, culoarea a devenit adesea un instrument pentru crearea iluziilor optice, deoarece nuanțe diferite adaugă profunzime unei imagini, așa cum contrastul dintre nuanțe de intensități diferite oferă noi posibilități de experimentare.
În ciuda efectelor ciudate și neașteptate, op art respectă pe deplin canoanele artei înalte, deoarece toate pânzele clasice folosesc iluzia profunzimii și a imaginii spațiale. Arta optică extinde iluzionismul tradițional bazându-se pe regulile psihologice ale percepției vizuale.
Cum se creează iluziile optice
Arta optică (op art) ca mișcare separată se bazează pe legătura fiziologică și psihologică dintre organul vederii (ochii) și organul percepției (creierul și sistemul nervos). Anumite modele și compoziții geometrice pot provoca dezacorduri între aceste două organe, creând astfel efecte optice iraționale și iluzii.
Aceste efecte pot fi împărțite în două categorii principale:
- Iluzia mișcării este cauzată de aranjamentul specific al contrastului forme geometrice. Efectul mișcării percepute este cel mai ușor creat folosind o paletă alb-negru.
- Imaginile ulterioare determină creierul să rețină imaginea și să o proiecteze pe o suprafață goală imediat după ce ochiul privitorului părăsește obiectul op art. Acest efect este creat folosind culori foarte luminoase și contrastante.
Op art în artă
Criticii cred că rădăcinile artei optice provin din abstractionismul geometric, care a fost, de asemenea, un produs al unei lumi noi și în schimbare rapidă. Cu toate acestea, tendința de a se concentra strict pe efectele vizuale și perceptuale sugerează că stilul op art a fost mai mult influențat de ideile maeștrilor baroc, care au fost apoi combinate într-o tehnică numită „trompe-l’oeil”. Se mai numește și perspectivă îmbunătățită sau momeală.
Reprezentanții artei optice nu s-au distins printr-un singur impuls ideologic. Unii dintre ei au creat iluzii de percepție ca un experiment asupra percepției umane, alții au încercat să aducă arta în masă prin crearea de proiecte noi, interesante și stimulatoare. Mulți artiști care au creat capodopere ale artei operaționale nu s-au considerat parte a mișcării și chiar au refuzat complet să o recunoască ca o mișcare separată, independentă.
Caracteristici principale
Fiecare mișcare artistică are unic, inimitabil trăsături caracteristice. Acestea sunt trăsăturile care separă lucrările aparținând cubismului, dadaismului și constructivismului, în loc să le unească sub o cupolă comună a artei abstracte.
Op art s-a dezvoltat într-o mișcare separată tocmai datorită unui număr de caracteristici unice:
- Scopul principal al artei optice este de a înșela ochiul privitorului. Compozițiile sunt construite în așa fel încât să se creeze o disonanță între organul vederii și organul percepției, din care rezultă iluzia mișcării sau orice alt efect optic.
- Din cauza lor forme geometrice Op art este o mișcare nereprezentativă, adică reprezentanții artei optice nu încearcă să înfățișeze obiecte specifice ale realității din jurul lor.
- Elementele folosite, inclusiv culoarea, formele și liniile, sunt studiate și calculate și creează o compoziție cu precizie aproape matematică.
- În arta optică, atât fundalul, cât și primul plan sunt la fel de importante pentru compoziție.
- Principalele tehnici de creare a iluziilor optice sunt perspectiva și compararea precisă a formelor și culorilor.
Evaluarea criticilor
Apogeul artei optice a fost expoziția din New York The Responsive Eye. A fost incredibil de popular în rândul publicului larg, intrigat de noua relație dintre culoare și formă. Cu toate acestea, criticii nu au acordat lucrării și mișcării în sine o atenție specială.
Unii dintre artiști și critici, în ciuda noii combinații de știință și artă, s-au dovedit a fi oponenți înflăcărați ai stilului op art, invocând faptul că expoziția a reunit lucrări ale artiștilor ale căror scopuri și idei sunt atât de diferite și contradictorii încât nu poate aparține unei mișcări.
Datorită efectelor sale vizuale inovatoare și complexe, op art a primit recunoaștere publică instantanee, dar criticii au continuat să o trateze cu neîncredere și condescendență, considerând stilul o tendință eșuată, trecătoare, sortită uitării deplină.
Arta optică astăzi
Criticii au avut parțial dreptate cu privire la natura trecătoare a artei operaționale. După 1965, stilul și-a pierdut rapid potențialul. Poate că motivul pentru aceasta a fost lipsa obiectivelor comune și a bazei ideologice sau succesul comercial fulger al iluziilor optice.
La mulți ani după apogeul artei operaționale, reputația acesteia continuă să fie controversată. Unii critici numesc compozițiile optice „gâdilatoare”, alții compară arta pop și arta op, făcând paralele și numind arta optică artă pop abstractă. Astăzi, acest tip de iluzie este utilizat pe scară largă în industria modei, psihologie și tehnologia digitală.
Numele stilului op art vine din limba engleză. „op art”, abreviere pentru optical art - „optical art”. Această mișcare neo-avangardă a artei abstracte a apărut în anii 1950 și s-a răspândit în Europa și în Statele Unite în anii 1960. A devenit una dintre alternativele intelectuale la arta pop mass media.
Artiști op art precum Victor Vasarély, Bridget Riley, Jesus Rafael Soto, Richard Anuszkiewicz și alții au creat iluzii optice spațiale și imitarea mișcării în lucrările lor cu ajutorul unor forme geometrice simple care se repetă și curg una în alta.
În fotografie: model Versailles de la fabrica Bisazza, design Braga Marco.
Deși a avut puțin efect asupra arhitecturii, op art a avut o mare influență asupra designului grafic și decorațiunii interioare. Astfel, pereții au fost acoperiți cu tapet multicolor cu moire și modele concentrice care imit mișcarea și vibrația, sau decorați cu mari dimensiuni. panouri de perete(„Supergrafică”). Pentru a crește vizual volumul camerei, s-au folosit diverse efecte optice. Exemple vii aici sunt faimoasa piscină pictată și scara care coboară în ea cu balustrade „adevărate”, precum și „ușa” ușor deschisă către o cameră inexistentă. Iluzia mișcării spațiale, a înălțării și a îmbinării formelor a fost realizată cu ajutorul contrastelor ascuțite de culoare și tonal, repetări ritmice, intersecția configurațiilor spiralate și rețelei și linii de răsucire. Schimbarea instalațiilor luminoase, s-au folosit adesea designuri dinamice, s-au folosit materiale cu suprafață reflectorizantă (metal, sticlă, plastic) și diverse țesături.
- 1 din 1
In fotografie:
Designul mobilierului a fost dominat de linii netede, curbate, combinații de culori contrastante (alb – negru). Cel mai adesea a fost realizat din materiale transparente cu o suprafață reflectorizantă (sticlă, plastic, fire metalice împletite ale cadrului).
Motivele principale:
Comentează pe FB Comentează pe VK
Tot in aceasta sectiune
Oleg Lyugin, director de dezvoltare al companiei de distribuție MMS Cinema, explică de ce o companie care produce difuzoare pentru redarea muzicii ar putea fi de interes pentru designeri și consumatori.
Stilul arhitectural mansardă, care a apărut din spațiile industriale, oferă oportunități enorme pentru imaginație. Aici, în vechile clădiri pline de viață ale fabricii, este cel mai mult idei creative.
Astăzi, multe case rusești au o cameră separată pentru mâncare. Dar nu a fost întotdeauna așa. De unde provine cantina? Cine a inventat-o și de ce a dispărut timp de aproape un secol?
Producția în masă a celor mai emblematice articole de zi cu zi a fost precedată de ani, și uneori de decenii, de cercetare inginerească. Vă prezentăm cele mai utile invenții pentru casă din istorie.
În secolele precedente, decorațiuni pomi de Crăciun simboliza tradiția Evangheliei, apoi - prosperitate și bogăție. Și în secolul al XX-lea, s-ar putea afla despre evenimentele cheie din viața țării din decorarea pomilor de Crăciun din Rusia.
În zilele noastre, aproape toți părinții încearcă să aloce o cameră separată pentru copilul lor. Dar, relativ recent, copiii nu aveau propriile „apartamente” sau erau foarte diferiți de azi.
Numele vine din engleză. hi-tech, abreviere pentru high technology - high technology. High-tech este cunoscut și ca stil industrial. Născut în urma postmodernismului în Marea Britanie.
Mișcare postmodernistă de design care a apărut în Marea Britanie în anii 1970 și 1980. Caracterizat printr-un refuz de a proiecta articole produse în serie în favoarea producției limitate
Denumirea stilului provine de la abrevierea popular art (engleză) - popular art. Al doilea sens al cuvântului este asociat cu engleza onomatopeică. pop – lovitură bruscă, palmă, palmă, i.e. ceva
Numele provine din franceză. postmodernism - după modernism. Principala caracteristică a acestei tendințe este utilizarea haotică a elementelor împrumutate din stilurile istorice din trecut.
Grupul postmodern Memphis a fost fondat la 11 decembrie 1980 la Milano de designerii Ettore Sottsass, Andrea Branzi și Michele de Lucchi.
Termenul se întoarce la francezi. rococo, din rocaille - fragmente de pietre, scoici. Rococo a apărut în Franța în prima jumătate a secolului al XVIII-lea. Perioada de glorie (aproximativ 1725-1750) a avut loc în timpul domniei lui
Stilul în arta și literatura europeană din secolul al XVII-lea - începutul secolului al XIX-lea. Numele provine din lat. classicus - exemplar și exprimă esența stilului: se concentrează pe formele artei antice ca
Conceptul principal al acestui stil este imitarea formelor naturale și utilizarea predominantă materiale naturale. A apărut în stilul Art Nouveau la începutul secolului al XX-lea.
Suprarealismul (franceză surréalisme - super-realism) este o mișcare artistică care s-a dezvoltat în cadrul modernismului la începutul anilor 1920 în Franța. Scriitorul și poetul este considerat fondatorul și ideologul său
Un stil care a existat în anii 1920 în principal în Rusia (în arhitectură, decorare, artă afișată, artă teatrală și decorativă, edituri, construcții, design).
Stilul original op-art (op-art este prescurtarea pentru arta optică) a explodat literalmente în modă, născut din mișcarea de pictură cu același nume.
Stilul vine din anii 60
Care sunt caracteristicile anilor 60 ai secolului trecut? Poate că principalul lucru este triumful spiritului de libertate și, ca urmare, fuste mini, țesături sintetice și prima reclamă de avangardă. Prin urmare, atunci s-au născut mai multe stiluri non-triviale, care au fost destinate să revoluționeze ideile despre modă. Op art a apărut și în acel moment. Tatăl său a fost artistul parizian Vasarely, care a folosit o tehnică specială de imprimare de aplicare a mai multor straturi de vopsea, creând spațiu tridimensional folosind o iluzie optică. Op art se bazează pe linii, triunghiuri, pătrate, cercuri... împletite complicat, dând naștere la noi forme.
Efect de imprimare iluzionar
Cineva a negat categoric futurismul artei operaționale, neacceptând „artificialitatea” și natura iluzorie a acestuia, dar unii dintre cei mai îndrăzneți couturieri au devenit serios interesați de astfel de efect neobișnuitși l-au întruchipat în lucrările lor. Andre Courrèges, Mary Quant, Larry Aldrich au folosit de bunăvoie efectul optic al noilor imprimeuri în modelele lor.
Geometrie strălucitoare
Op art se simte grozav astăzi în îmbrăcămintea pentru tineret - aruncați o privire la colaje sau imagini cu legende ale stilului de pe tricouri și genți. Geometria strălucitoare este o temă preferată a unor vedete pop și chiar și maeștri, precum Franco Moschino, sunt pasionați de op art. Dar în viața obișnuită trebuie să fii atent cu el. Unul sau două lucruri sau un accesoriu cu „efect iluzoriu” este suficient un look în full op art este bun doar pentru cei mai tineri, zvelți și îndrăzneți. Principalul lucru este să nu exagerați. Iată câteva modele și look-uri de la Burda în stilul op art care vor adăuga o notă strălucitoare, excentrică, garderobei tale obișnuite și îți vor oferi o stare de spirit grozavă.